Дом высоцкого на таганке фото зала
До премьеры Высоцкий не дожил. Ранее он уже играл в этом спектакле роли Второго бога, Племянника и Мужа. Поэтому, согласна с другими отзывами- если бы в музее звучал его голос, было бы полное ощущение того, что ты пришел не в музей, а в гости к Владимиру Семеновичу Почему, когда выходишь после спектакля на улицу, в шумный московский круговорот, вся жизнь города кажется вдруг по-новому осмысленной, устремленной к лучшему?
Дорогие наши зрители! Обращаем ваше внимание, что: - Вход в зрительный зал после третьего звонка запрещён. На Яндекс. Малая сцена Московского драматического театра под руководством Армена Джигарханяна. Адрес: Москва, улица Кооперативная, дом 4, строение Открыть на Яндекс. Московский театральный центр "Вишнёвый сад" под руководством Александра Вилькина. Хотите покупать билеты на спектакли по выгодным ценам и первыми узнавать об акциях и премьерах?
Подпишитесь на нашу рассылку сейчас. Оставьте нам адрес своей почты и будьте всегда в курсе событий. Для просмотра адреса в вашем браузере должен быть включен Javascript. Наш адрес: г. Москва, ул. Земляной Вал, д. Бронирование билетов: 8 Задать вопрос руководителям Театра Информационный партнер: Инвалиды 1 и 2 групп обслуживаются вне очереди. Весной года Высоцкий посмотрел спектакль « Добрый человек из Сезуана » [комм. Впоследствии, рассказывая о своих впечатлениях о представлении, актёр замечал, что в постановке по пьесе Бертольда Брехта обнаружилось то, что было ему интересно, — сплав драмы, музыки и поэзии: «Это похоже на то, что я делаю» [35].
Переговоры, связанные с возможным переходом Высоцкого на «Таганку», вели с Любимовым самые разные люди: артисты Станислав Любшин и Таисия Додина, режиссёр Анхель Гутьеррес, к которому, в свою очередь, обращались с рекомендациями сценаристы Левон Кочарян и Артур Макаров [34].
Сам Любимов, вспоминая первую встречу с Владимиром Семёновичем, писал, что тот пришёл в театр в «кепаре, сереньком пиджачишке из букле ».
На просмотре он прочитал «что-то маловразумительное, бравадное», затем взял гитару — и режиссёр, отложив все дела, слушал его сорок пять минут [36]. В сентябре Высоцкий был принят в Театр на Таганке с двухмесячным испытательным сроком и окладом 75 рублей. Уже через десять дней, заменяя заболевшего коллегу, он появился в спектакле «Добрый человек из Сезуана» в роли Второго Бога. Тогда же Владимир Семёнович приступил к репетициям « Героя нашего времени » [комм.
Этот спектакль, премьера которого состоялась через месяц, не стал большим событием в жизни театра и достаточно быстро исчез из репертуара, однако практически без пауз, той же осенью, Любимов начал работу над постановкой « Десять дней, которые потрясли мир » [комм. Произведение о событиях года оказалось для режиссёра, по замечанию литературоведа Владимира Новикова , «трамплином для свободного полёта фантазии», поэтому действо начиналось ещё на Таганской площади , где зрителей встречали артисты в костюмах солдат и матросов; они же выполняли функции билетёров.
У Высоцкого, как и у других участников представления, в этом спектакле было несколько ролей: он играл часового, белогвардейца, анархиста , с года — Керенского. Кроме того, актёр исполнял со сцены собственные песни — «Войны и голодухи натерпелися мы всласть…» и «В куски разлетелася корона…» [42]. Высоцкому, по словам театрального критика Константина Рудницкого , было непросто привыкнуть к стилю и сценическому языку Театра на Таганке, поскольку у него за плечами была иная школа, идущая от «форм самой жизни».
Начало его работы в труппе было связано с поисками пластической выразительности, точных интонаций, умением держать себя в безупречной физической форме. Постепенно раскрывался и его природный темперамент. Тем не менее в течение первых двух лет — вплоть до премьеры спектакля «Жизнь Галилея» — Высоцкий оставался в тени своих коллег. Высоцкий в ту пору в число «лидеров» театра и любимцев публики не входил [43]. Репутация «Таганки» как поэтического театра стала укрепляться после выхода «Антимиров» [комм.
По свидетельству Вениамина Смехова , Любимов говорил, что «все великие драматурги были поэтами», поэтому появление в театре Андрея Вознесенского в качестве члена художественного совета, а затем и автора выглядело закономерным [46] [47].
Изначально режиссёр предполагал подготовить вечер его стихотворений, которые должны были читать со сцены и Вознесенский, и артисты. Премьера постановки, именовавшейся «Поэт и театр», состоялась в январе года тогда же Высоцкий стал актёром основного состава театра ; в дальнейшем музыкально-поэтическая композиция прочно вошла в репертуар под другим названием — «Антимиры» [48]. Сделали мы «Антимиры» очень быстро. За три недели. Половину спектакля играли мы, а потом сам Вознесенский, если он не был в отъезде он всё время уезжает, больше всего на «периферию» — в Америку , в Италию ….
Но иногда он возвращается оттуда, и бывают такие спектакли, когда он принимает участие в наших представлениях, в основном в юбилейных сотом, двухсотом, трёхсотом, четырёхсотом, пятисотом [49].
Высоцкому, выходившему в «Антимирах» в массовых сценах, было доверено выступить также с несколькими индивидуальными номерами — он пел под гитару «Оду сплетникам» музыку сочинил сам , читал фрагменты из поэмы «Лонжюмо» и стихотворение «Монолог актёра». Формат постановки позволял время от времени включать в неё новые произведения Вознесенского, поэтому позже в спектакле появилась «Песня акына» «Не славы и не коровы…» , которую Высоцкий нередко исполнял и на собственных концертах. В книге «Прорабы духа» Вознесенский, вспоминая о Высоцком, писал, что тот «до стона заводил публику ненормативной лексикой в монологе Ворона».
Речь шла об отрывке из поэмы «Оза» — вольной вариации, написанной по мотивам стихотворения « Ворон » Эдгара По. По замечанию Владимира Новикова, если вслушаться в текст, то в конце каждой строфы можно обнаружить иную, более «народную» рифму [48] [50]. В публикации упоминались и представление по стихам Вознесенского, и поставленный несколько позже спектакль «Павшие и живые», которые, по словам театроведа Юрия Рыбакова , «утверждают новый поэтический жанр» [51]. В то же время в РГАЛИ сохранилось письмо от зрителя из города Сочи, обратившегося после просмотра «Антимиров» к артистам театра с предложением: «Перестаньте играть для людей с извращёнными понятиями о нашей жизни и для всяких пошляков» [52].
Тем не менее театр дал более восьмисот представлений «Антимиров»; спектакль входил в репертуар «Таганки» до года [53] [50]. Следующим после «Антимиров» поэтическим спектаклем Театра на Таганке стали «Павшие и живые» [комм. Второго апреля года театр заключил с Высоцким договор на написание песен для этого спектакля [57].
Как отмечал литературовед Владимир Новиков , режиссёр поставил перед Высоцким «интересную творческую задачу: написать песню от имени немецких солдат. Причём не карикатурную, а психологически убедительную, чтобы в ней прозвучала уверенность не знающей сомнений жестокой силы. Репетиции спектакля начались задолго до получения разрешения цензуры.
Новому театру требовался свежий репертуар, времени на ожидание долгих согласований у Любимова не было. Несмотря на то, что все тексты, включённые в постановку, были ранее опубликованы, спектакль не был допущен к показу.
Июньские и июльские премьеры года пришлось отменить; билеты, раскупленные на месяц вперёд, предлагались к возврату. Спектакль регулярно обсуждался в различных инстанциях: в Управлении культуры, в райкоме партии, на коллегии Министерства культуры СССР с участием Екатерины Фурцевой. Благодаря тому, что за «Павших и живых» вступились писатели-фронтовики, его премьера всё-таки состоялась 4 ноября года [60]. Актёры спектакля играли роли без грима, не перевоплощаясь в своих героев, не повторяя их исполнительскую манеру, а пытаясь максимально достоверно донести до публики их стихи.
Некоторое время после премьеры в спектакль входила новелла «Чиновник» о событиях, связанных с фронтовой судьбой Эммануила Казакевича , где Высоцкий сатирически исполнял роль « энкавдэшника », но по настоянию чиновников Управления культуры осенью года эпизод был исключён из постановки [62].
В году Высоцкий был введён на роль Семёна Гудзенко , стихами которого «Нас не нужно жалеть…» заканчивался спектакль [63]. В финале «Павших и живых» в центре сцены зажигался Вечный огонь. Театральный художник Давид Боровский так описывал свои впечатления от увиденного в постановке: «Пламя огня? Это было для меня ошеломляюще по дерзости театра. По сути, это был вызов!
Священный огонь! Учтите, Вечного огня в Москве тогда ещё не зажгли…» [64]. Театровед Наталья Крымова писала в журнале « Театр » в году: «Важно понять другое: как сливается в одно монолитное целое вся эта смесь разнородных отрывков — поэтических и прозаических, пантомимических и песенных.
Как… рождается основная щемяще-чистая, пронзительно-высокая нота, которая… охватывает весь зал общим волнением, сжимает каждое сердце. Почему слезы на глазах. Почему боль пронизывает душу. Почему такая тишина. Почему, когда выходишь после спектакля на улицу, в шумный московский круговорот, вся жизнь города кажется вдруг по-новому осмысленной, устремленной к лучшему?
Театральный критик Константин Рудницкий так оценивал актёрскую работу поэта: «…конечно же, В. Высоцкий прав, когда читает стихи Кульчицкого о трудной работе войны, о чавкающей глине, о вспотевшей пехоте голосом гордым и возвышенным.
Заложенная в юношах сила сопротивляемости трудностям оказалась беспредельной. Это спектакль о жизни и смерти, о том, как мало отпущено человеку времени, — и почему-то первыми всегда уходят лучшие; спектакль о собственной причастности к событиям, о которых речь, о собственных невозвратимых потерях и незаживших ранах; спектакль о жертвах, которые приносились людьми сознательно, во исполнение высочайшего долга… [56].
Приступив в году к работе над спектаклем « Жизнь Галилея » [комм. Вначале к репетициям был привлечён Николай Губенко, позже — Александр Калягин [70]. Галилей, по режиссёрскому замыслу, должен был прожить свою сценическую историю в развитии, пройдя разные стадии — от гениальных прорывов до запоздалого раскаяния.
В итоге выбор пал на двадцативосьмилетнего Владимира Высоцкого, находившегося в ту пору на этапе «энергичного становления». Режиссёра не смущало внешнее и возрастное несоответствие актёра и героя в финале постановки Галилей был уже стариком — ему казалось более важным умение исполнителя воплотить брехтовские «интеллектуальные задачки» об истине, о предательстве собственной идеи [71].
Высоцкий играл без грима и париков — возрастные изменения актёру надлежало передать за счёт внутренних, глубинных переживаний и метаморфоз, происходивших в сознании его персонажа [71] [72]. Брехтовские традиции, в русле которых шло становление Театра на Таганке, отличались от системы Станиславского. По Станиславскому, актёр на сцене должен «психологически пережить роль».
В спектакле Любимова Высоцкий изображал Галилея — ставка делалась на «условность театрального искусства» [73]. По воспоминаниям актрисы Аллы Демидовой , «Галилей у Высоцкого не стареет. Игрался не характер, а тема. Тема поиска и сохранения истины» [74]. Премьера спектакля «Жизнь Галилея» состоялась 17 мая года.
Постоянные зрители «Таганки», пришедшие в театр, ждали режиссёрских находок, но даже их поразило начало постановки: Галилей-Высоцкий появился на сцене с оптическим инструментом, посмотрел через подзорную трубу в небо, затем взлетел на стол и сделал первый трюк — стойку на руках. Находясь в этом положении, герой начал свой длинный монолог о том, что две тысячи лет подряд люди верили, будто Солнце и все небесные тела вращаются вокруг Земли [75].
Молодой мужчина, здоровый, уверенный в себе — это Галилей Высоцкого. Он плебей с чувством собственного достоинства и не считает нужным сдерживаться, если хочется стукнуть кулаком по столу, сдёрнуть с него скатерть, но кто-то разглядел в нём московского Гамлета. Высоцкий играл человека, гордого своим явлением в мир [76]. Постановка получила немало откликов в прессе. В числе тех, кто не понял любимовскую трактовку пьесы Брехта, был обозреватель журнала « Коммунист », утверждавший, что «Галилей в этом спектакле слишком мелок, он превратился в некоего эпикурейца провинциального масштаба, для которого вино, женщины, наука одинаково важны или не важны » [77] [78].
В то же время учёный-физик Дмитрий Блохинцев отправил Любимову письмо с признанием, что, несмотря на несоответствие образа главного героя «исторической правде», он принял «таганского» Галилея: «Высоцкий увлёк меня и убедил меня своей страстной игрой» [77]. Образ учёного-изгоя, «непонятого титана», стремящегося добраться до истины, в какой-то мере соотносится с судьбой и характером сценического Галилея, считает Анатолий Кулагин [79].
Эта композиция интересна тем, что мы совсем под другим углом смотрим на Маяковского. В нём все привыкли видеть «агитатора, горлана и главаря», а мы затронули много его человеческих черт. Во второй половине года в Театре на Таганке начались репетиции спектакля «Послушайте! Юрий Любимов решил показать, что поэт был не только «агитатором и трибуном», но и живым, сомневающимся, мечущимся человеком. По версии режиссёра, такой образ можно было создать с помощью пятерых разных актёров, показывающих разные стороны натуры Маяковского.
Одну из ипостасей — «в кепке, с бильярдным кием» — надлежало воплотить Высоцкому. Возможно, эта грань в связке «Маяковский — Высоцкий» показалась Любимову органичной после появления « Песни о сентиментальном боксёре », в которой Владимир Семёнович весьма непринуждённо обыграл классические строки: «И жить хорошо, и жизнь хороша!
Репетиции проходили тяжело и подолгу, пьеса, как это часто происходило на «Таганке», видоизменялась прямо по ходу работы, на «живых пробах», и к апрелю года спектакль всё ещё окончательно не был готов [83] [84].
Прогон спектакля перед цензорами вызвал массу нареканий — в постановке была показана конфронтация Маяковского с бюрократией, а чиновники «от культуры» не хотели, чтобы происходящее на сцене хоть как-то было похоже на их «сегодняшний день».
В «прекрасном советском настоящем» не должны были обнаружиться проблемы, о которых «поэт революции» говорил около полувека назад [85]. Лиля Брик на одном из обсуждений также высказалась в защиту представления: «Этот спектакль мог поставить только большевик и сыграть только комсомольцы» [86]. Шестнадцатого мая года премьера всё же состоялась [87]. Театральный сезон в году у Театра на Таганке закончился 12 июля.
Согласно воспоминаниям Марины Влади , её знакомство с Высоцким-актёром произошло в году на репетиции драматической поэмы «Пугачёв» [комм. В Театр на Таганке французскую гостью пригласили устроители кинофестиваля , пообещав показать, как работает один из «самых удивительных» артистов — Владимир Высоцкий.
Впоследствии Влади писала: «На сцене неистово кричит и бьётся полураздетый человек. От пояса до плеч он обмотан цепями.
Ощущение страшное. Премьера спектакля «Пугачёв» по одноимённой поэме Сергея Есенина состоялась несколько месяцев спустя, в ноябре того же года. Роль Хлопуши была небольшой — всего сто строк, однако эпизод, связанный с этим персонажем, стал, по словам Натальи Крымовой, кульминацией всего спектакля.
Сцена, во время которой герой рвался в цепях, сопровождалась «жутким кандальным звоном». В этом спектакле я играю Хлопушу, беглого каторжника, и меня там швыряют, кидают по цепям вперёд-назад по станку. Бросаешься голым телом на эти цепи, иногда бывает больно. Однажды, когда ввели новых актёров, меня просто избили до полусмерти.
Они не умели работать с цепью; там надо всё репетировать. Цепь нужно держать внатяжку, а они меня просто били по груди настоящей металлической цепью. Топоры у нас тоже настоящие… [96].
В спектакле Высоцкий выступил не только как актёр, но и как поэт. В число персонажей «Пугачёва» входили трое мужиков, не принимавших участия в основном действии. Они стояли на сцене с крестьянскими музыкальными инструментами — балалайкой, ложками , жалейкой — и выполняли роль своеобразного фона.
Однако именно они, безучастно взирающие на происходящие в поэме события, призваны были показать: пока что «народ безмолвствует», однако в любой момент мизансцена может измениться, и тогда сторонние наблюдатели станут участниками бунта.
Для этих героев Высоцкий написал куплеты: « — Ну, что, Кузьма? В постановку вошёл сокращённый вариант куплетов [97] [98]. В конце шестидесятых годов Николай Губенко покинул Театр на Таганке, отдав своё предпочтение режиссёрской работе. Главная мужская роль безработного лётчика Янг Суна в спектакле, с которого началась творческая жизнь «Таганки» [комм.
Ранее он уже играл в этом спектакле роли Второго бога, Племянника и Мужа. Главную женскую роль Шен Те в спектакле исполняла Зинаида Славина [] [] [].
Приступать к работе над образом персонажа в сложившейся постановке, когда рисунок роли уже определён первым исполнителем, всегда тяжело, отмечала Алла Демидова: «Ведь он роль кроил на себя». Поэтому на первых порах Высоцкий, вероятно, выглядел в роли китайского лётчика не столь ярко и эффектно, как Губенко.
Если у Губенко Янг Сун был представлен как сильный, мощный человек, внутренняя драма которого обнажалась резко и экспрессивно, то у героя в исполнении Высоцкого характер раскрывался иначе — «рывками, толчками, нервным пунктиром».
При этом в отдельных репликах, с болью произносимых сумрачным Янг Суном-Высоцким, уже угадывались черты будущего Гамлета. Высоцкий играл роль Янг Суна в «Добром человеке…» до мая года; спектакль неоднократно вывозился на гастроли, в том числе в Болгарию и Германскую Демократическую Республику [] [] [] [].
В году Театр на Таганке начал работу над новой музыкально-поэтической композицией по произведениям Андрея Вознесенского, получившей название « Берегите ваши лица » [комм.
Постановка представляла собой открытую репетицию, в ходе которой зрители могли наблюдать, как режиссёр, сидевший в десятом ряду, разговаривал с актёрами, давал им рекомендации, просил повторить фрагменты исполняемого стихотворения или песни. Зал во время всего представления оставался освещённым. Как объяснял впоследствии Любимов, такой формат спектакля — без заданной драматургии, с элементами импровизации — позволял показать публике «театральную кухню», погрузить зрителей в творческую лабораторию «Таганки» [] [] [].
У Высоцкого в постановке было несколько номеров. Он открывал представление своей «Песней о нотах» «Я изучил все ноты от и до…» , читал стихотворение Вознесенского «Я — в кризисе. Душа нема» и исполнял ещё одно собственное произведение — « Охоту на волков » []. Эта песня, написанная во время съёмок художественного фильма « Хозяин тайги », являлась своеобразным откликом на газетную кампанию года, когда сразу в нескольких изданиях появились публикации, в которых дискредитировалось песенное творчество Владимира Семёновича.
Так, авторы статьи «О чём поёт Высоцкий» « Советская Россия », , 9 июня утверждали, что в его произведениях «под видом искусства преподносятся обывательщина, пошлость, безнравственность». В статье «С чужого голоса» « Тюменская правда », , 7 июля Высоцкий был назван автором «грязных и пошлых песенок, воспевающих уголовщину и аполитичность».
В публикации «Прекрасное — в каждый дом» « Правда », , 14 апреля упоминалось про записи, в которых исполнитель «сипло причитает дикие блатные песенки и смакует воровской жаргон» [] []. Любимов не скрывал, что, включив «Охоту на волков» в постановку «Берегите ваши лица», он сделал попытку «легализовать Высоцкого» [].
Репетиции спектакля шли в течение двух месяцев. Высоцкий, по словам работавшего с театром композитора Юрия Буцко , пел «Охоту…» «Обложили меня, обложили…» с отчаянием и драматизмом. Во время выступления актёр словно парил в воздухе, держась руками за металлический канат.
Когда номер закончился, зрители потребовали повторить песню, и актёр вновь исполнил её с тем же накалом. При обсуждении постановки — среди прочих претензий со стороны чиновников — было высказано весьма резкое замечание по поводу смешения на сцене «высокого и низкого стиля»: «Как это можно — то Бах звучит у вас, то — Высоцкий…» [].
Кроме того, участников обсуждения насторожил палиндром Вознесенского «А Луна канула», который по предложению поэта был размещён над сценой. В этом перевёртыше чиновники увидели намёк на упущенное первенство при реализации советской лунной программы.
Спектакль «Берегите ваши лица» был показан зрителям три раза и запрещён навсегда [] [] []. В наш театр сейчас практически невозможно достать билет. По два-три месяца люди стоят в очередях. Бывает даже, что ночуют около театра. Поэтому у нас актёры играют с полной отдачей, отдавая всего себя в благодарность зрителю за любовь такую [].
В июне года, заполняя распространявшуюся в театре анкету, Высоцкий признался, что самым радостным событием для него стала бы премьера « Гамлета » [комм. Запись была сделана за несколько месяцев до распределения ролей оно состоялось 5 сентября и начала непосредственной работы над спектаклем [] []. Позже, во время обсуждения постановки в Главном управлении культуры Моссовета , Любимов объяснял чиновникам, что изначально стремился снять в своей постановке с Шекспира налёт «театральщины», убрать у героя «мантию величия»: «Поэтому я и назначил на роль Гамлета не Филатова , а Высоцкого.
Это актёр очень земной, человечный. Он весь — плоть от плоти, с улицы» []. Начало работы над «Гамлетом» было тяжёлым. Первая репетиция состоялась 11 января года. Затем возникла пауза, связанная со срывом и госпитализацией исполнителя главной роли; своё летие, отмечавшееся 25 января, Высоцкий встретил в больнице имени Кащенко. За время его отсутствия Любимов предложил поработать над ролью принца датского Леониду Филатову, Дальвину Щербакову , Валерию Золотухину []. Высоцкий, вернувшись в театр в конце месяца и получив строгие предупреждения по линии месткома и других инстанций, принёс извинения и в то же время заявил, что если у него появятся дублёры, он от участия в спектакле откажется [].
Через несколько месяцев, в мае, одна из репетиций едва не завершилась трагедией: в сцене погребения Офелии , проходившей под звуки траурной музыки, на участников постановки внезапно обрушилась конструкция весом не менее полутора тонн. Массивная балка, упав на гроб героини, разрушила его, а тяжёлый занавес накрыл всех, кто участвовал в «похоронной процессии»; несколько артистов получили небольшие травмы.
После этой истории часть декораций пришлось возводить заново, и выпуск спектакля, намеченный на июнь, был отложен до поздней осени [] []. Премьера «Гамлета» состоялась 29 ноября года.
Зрители, входившие в зал, имели возможность познакомиться с очередной режиссёрской новацией: Гамлет-Высоцкий в ожидании третьего звонка уже сидел на сцене в джинсах и свитере, негромко играя на гитаре. Алла Демидова, исполнявшая в постановке роль Гертруды, писала впоследствии, что не может вспомнить, кто именно предложил использовать в качестве костюма для Гамлета повседневную одежду х годов: «Думаю, это произошло потому, что в то время мы все так одевались.
Начало премьерного спектакля задержали на пятьдесят минут, потому что толпа молодёжи, не сумевшей приобрести билеты, прорвалась в театр «штурмом» [] []. Мне повезло, что я играл Гамлета, находясь именно в том возрасте, который отмечен у датского принца Шекспиром. Я чувствовал себя его ровесником. Я играл не мальчика, который не знает, что ему нужно. Он воспитывался с детства быть королём. Он был готов взойти на трон [].
Ситуация, когда Любимов, недовольный частыми отлучками Высоцкого, вновь задумался о необходимости ввести на роль Гамлета второго исполнителя — Валерия Золотухина, повторилась через несколько лет [].
В дневниках Золотухина упоминается, что приказ о его назначении на роль появился в Театре на Таганке 14 декабря года. Реакция в труппе на эту новость была прохладной: «Косые видел взгляды, зависть. Никто не поздравил, не выразил благожелательства» [].
Сам Высоцкий, узнав о решении режиссёра, сообщил Валерию Сергеевичу, что в случае появления «второго Гамлета» уйдёт из театра: «Будь у тебя такой спектакль, шеф бы ко мне с подобным предложением не обратился бы, зная меня и мою позицию в таких делах» [] []. Осенью года Любимов в разговоре с Золотухиным объяснил, что он, рассчитывая на долгую жизнь постановки, хотел, чтобы в труппе был второй артист, готовый к роли []. В течение девяти лет Высоцкий сыграл Гамлета в СССР и во время зарубежных гастролей более двухсот раз ряд спектаклей был отменён [] [].
Последний его выход на сцену в образе принца датского состоялся за неделю до смерти — 18 июля года, предпоследний — 13 июля. Алла Демидова записала в те дни в своём дневнике, что Владимир Семёнович чувствовал себя плохо, принимал лекарства; за кулисами постоянно находился врач из бригады «Скорой помощи».
Несмотря на духоту и явную слабость, Высоцкий, по свидетельству актрисы, пребывал «в мягком, добром состоянии, редком в последнее время» [] []. Следующий спектакль, запланированный на 27 июля, был отменён. По словам Юрия Любимова и директора Театра на Таганке Николая Дупака , никто из зрителей не сдал в кассы неиспользованные билеты и не потребовал возврата денег. По другим данным, несколько билетов были всё-таки возвращены после похорон Высоцкого; их забрали себе на память артисты театра [] [] [].
При прощании с «таганским Гамлетом» над сценой, где стоял гроб, был повешен занавес из спектакля. Животное, не боле…» []. После смерти исполнителя главной роли спектакль был снят с репертуара []. В день премьеры «Гамлета» в Театре на Таганке побывал Иннокентий Смоктуновский , сыгравший принца датского в картине Григория Козинцева После спектакля артист оценил увиденное фразой: «Это можно принимать, можно не принимать, но с этого дня играть Гамлета так, как играли раньше, уже нельзя!
По замечанию театроведа Вадима Гаевского , постановка, осуществлённая Любимовым, весьма опосредованно напоминала о шекспировской эпохе; его спектакль был в большей степени близок «театру улицы». Другое новаторство было связано с переводом. Взяв за основу перевод Бориса Пастернака , режиссёр предложил трактовку, в которой многие гамлетовские посылы расшифровывались через тексты этого поэта []. В сценарии спектакля, хранящемся в РГАЛИ , содержатся режиссёрские тезисы, согласно которым за десять минут до начала спектакля Гамлет должен выйти на сцену, сесть возле стены и ждать зрителей.
Подобным образом несколькими десятилетиями ранее — в году — находился возле рампы в Московском художественном театре другой исполнитель роли Гамлета — Василий Качалов постановка Крэга. Рассказывая о впечатлениях, возникающих при появлении Гамлета-Высоцкого, театровед Татьяна Бачелис писала, что входившие в зал зрители не догадывались, что действо уже началось и они тоже в нём участвуют.
Высоцкий, державший в руках гитару, казался публике близким знакомым, однако обратиться к нему с репликой из зала было невозможно, потому что он «словно бы пребывал в другом измерении.
И ему одному принадлежало священное право соединить иное, шекспировское, измерение — с нашим, обыденным» []. Голос Высоцкого как инструмент, он задаёт тон спектаклю. У него тон агрессивной и беззащитной естественности. У него обертон неслыханной, необычной судьбы. И заканчивает горестно-спокойно: «Жизнь прожить — не поле перейти».
Рецензенты дали немало оценок «таганскому Гамлету». Непосредственно после премьеры театровед Алексей Бартошевич написал на страницах « Советской культуры » , 14 декабря , что герой Высоцкого пребывает в состоянии подлинной скорби: «Боль его за человечество — не какая-нибудь философически-умозрительная, самая настоящая боль, сгибающая пополам, останавливающая сердце». Критик Константин Щербаков отмечал, что Гамлет в исполнении Высоцкого менее всего напоминает «холодно-классичного» персонажа — это герой, чувства и мысли которого по-человечески близки любому думающему зрителю.
Искусствовед Александр Аникст назвал Гамлета-Высоцкого «колючим парнем», театровед Видмантас Силюнас — «опасным молодым человеком», Алла Демидова — «вожаком» []. Высоцкий играл в этом спектакле не только как актёр, но и как поэт. Через год после премьеры он написал стихотворение « Мой Гамлет », рассказывающее одновременно об авторе и его сценическом герое []. Лирический сюжет произведения, по мнению высоцковеда Анатолия Кулагина , делится на три условные части.
Вначале читатель знакомится с не знающим сомнений «принцем крови», утверждающим: «Я знал: всё будет так, как я хочу». Для того, чтобы в труппе не было простоя, в Театр на Таганке пришёл приглашённый режиссёр Анатолий Эфрос , выбравший для постановки пьесу Чехова « Вишнёвый сад » [комм.
Изначально предполагалось, что роль купца Ермолая Алексеевича Лопахина достанется Высоцкому, однако тот находился в отъезде, и в феврале к репетициям был привлечён артист Виталий Шаповалов.
Владимир Семёнович вернулся в Москву в конце мая и почти сразу включился в работу над спектаклем [] []. Как рассказывал позже Эфрос, Высоцкий быстро сумел понять поставленную задачу: «Когда он начинал репетировать, это было что-то неимоверное» []. Шаповалов отреагировал на отстранение от роли весьма болезненно, заявив, что откажется выходить на замену в случае очередного отбытия Высоцкого в Париж [].
По замыслу Эфроса, сквозной темой спектакля должна быть многолетняя влюблённость Лопахина во владелицу имения Любовь Андреевну Раневскую, которую сыграла Алла Демидова [].
Она вспоминала, что жизнь Высоцкого в ту пору была заполнена любовью, и отсвет этого чувства перешёл на рисунок роли — Лопахину передались и нежность, и страстность актёра []. Монологи своего героя он произносил как стихи, интонацией создавая в прозаическом тексте музыкально-поэтический ритм []. Сцена, когда Лопахин, ставший новым хозяином сада, появился в доме Раневской, была сыграна Высоцким с трагическим накалом, на «уровне лучших его песен» []. Душевное смятение героя отражалось и в пластике — его бросало в разные стороны то ли от опьянения, то ли от потрясения [].
Финальные эпизоды Высоцкий исполнил, «как смерть души и смерть любви». Купец-победитель в трактовке Эфроса и Высоцкого выглядел мучеником, потому что Раневскую, утратившую сад, ждал Париж, а Лопахин оставался со своей безответной и неизжитой любовью [].
Седьмого июня прошёл черновой прогон спектакля, на который из Италии прибыл Любимов. Он раскритиковал постановку, заявив, что «Вишнёвый сад» с его утончённостью не соотносится с духом и эстетикой «Таганки».
На премьере, состоявшейся 30 июня года, Любимов не появился []. Театральное сообщество по-разному оценило спектакль в целом и игру Высоцкого — в частности. Так, Валерий Золотухин не отнёс роль Лопахина к числу удачных работ своего коллеги, назвав его финальный монолог «неорганизованным криком», а движения — «нелепыми и зажатыми» [].
Драматург Александр Володин , напротив, заявил, что до эфросовского «Вишнёвого сада» воспринимал Лопахина линейно, как купца-губителя, которому «всё равно — всё под топор».
Он любит её. Лопахин-Высоцкий в новеньком, с иголочки, светлом — цвета сливок — костюме, элегантный, умный, ироничный, был, как ни парадоксально это прозвучит, единственным подлинным аристократом духа среди всех этих духовно нищих и эмоционально глухих кладбищенских жителей []. Смотрят его с громадным интересом и удовольствием люди везде. Сначала зрители были в недоумении, а потом, сейчас в Москве, я думаю, это самое популярное зрелище нашего театра.
Актёры «Таганки» часто выступали перед зрительской аудиторией не только с фрагментами из спектаклей, входивших в регулярный репертуар театра, но и с номерами собственного сочинения. Вениамин Смехов писал: «Ни один театр до нас и по сегодня не мог бы похвастаться такой врождённой особенностью: команда Любимова состояла из актеров с чёрточкой… Актёр — поэт.
Актёр — прозаик. Певцы, музыканты, мимы, киномастера…». Однажды из-за болезни актрисы Зинаиды Славиной был отменён спектакль « Мать », и режиссёр предложил зрителям посмотреть концерт, составленный из отдельных актёрских номеров. Впоследствии эти «срезки» изначальное название постановки были объединены в один концерт-спектакль, поддержанный Любимовым. Представление числилось вне репертуара, считалось своеобразным «спутником афиши» и исполнялось 4—5 раз в месяц, после основных спектаклей или на выезде.
Название композиции — «В поисках жанра» — опиралось на незадолго до этого опубликованную повесть Василия Аксёнова «Поиски жанра» [] [] []. Премьера постановки «В поисках жанра» состоялась 22 июня года. Спектакль открывался песней Высоцкого «Мы вращаем Землю».
Представление, изначально не имевшее заданного сценария, состояло из постоянно меняющихся, фактически концертных номеров. Показы спектакля-концерта были хорошим финансовым подспорьем для театра — постановка была создана и проводилась практически без затрат. Высоцкий на своих концертах называл этот спектакль «В поисках себя» и считал, что труппа Театра на Таганке придумала «новую форму театрального действа» [] [] [].
В конце х годов Высоцкий, занятый киносъёмками, концертной деятельностью, литературным творчеством, стал постепенно отдаляться от театра. Последней его сценической ролью стал Аркадий Свидригайлов в спектакле « Преступление и наказание » [комм. Современники по-разному оценивали работу актёра над этой ролью. Валерий Золотухин писал, что Высоцкий во время первой же репетиции взял «хороший тон» []. Алла Демидова утверждала, что репетировал он без особого энтузиазма, хотя сыграл в итоге ярко и мощно [].
Герой Достоевского стал причиной серьёзной размолвки между Владимиром Семёновичем и его давним товарищем Иваном Дыховичным, которому режиссёр поручил работать в спектакле в качестве дублёра Высоцкого [].
Ряд элементов постановки например, гитара в руках у персонажа вызвал претензии со стороны критиков. В то же время Любимов назвал роль Свидригайлова лучшей в театральной биографии Высоцкого, поставив её даже выше Гамлета [] []. Сам Высоцкий в разговоре с автором инсценировки «Преступления и наказания» Юрием Карякиным упоминал, что при работе над ролью ему важно было найти самое больное место в судьбе персонажа: «Правда только там, где прорывается боль» [].
Владимир Семёнович играл Свидригайлова как человека, который мрачен не от самодовольства, а от понимания, что у него нет будущего, что его жизненный путь фактически завершён []. Впоследствии этот посыл рассматривался театроведамим как предчувствие Высоцким неизбежности скорого ухода: «Этой работой актёр прощался со сценой и зрителем» []. В спектакле звучал фрагмент песни «Она была чиста, как снег зимой…», представлявшей собой стилизацию под старинный романс. Включение в постановку этого произведения, написанного Высоцким ещё в конце х годов, удивило и публику, и Юрия Карякина [].
По словам Константина Рудницкого, романс в исполнении Свидригайлова был звеном, необходимым для развития образа: персонаж, «существующий уже как бы за этой гранью», мог позволить себе не торопиться и гитарным аккордом продлить оставшиеся минуты жизни []. Последний раз Высоцкий играл Свидригайлова 12 июля года. Следующий спектакль «Преступление и наказание» был назначен на 21 июля. Актёр появился в театре, но выйти на сцену, по словам второго исполнителя роли Свидригайлова Михаила Лебедева, уже не смог и был заменён.
Встретившая Владимира Семёновича заведующая отделом кадров Елизавета Авалдуева обратила внимание на его необычайную бледность. На её вопрос о самочувствии Высоцкий ответил: «Елизавета Иннокентьевна, я скоро умру» []. Этот человек уже оттуда, потусторонний такой господин.
И даже у самого Достоевского написано в дневниках, что он должен выглядеть как привидение с того света, тем более что он всё время ведёт разговоры о привидениях. Так что я знаю, как там, на том свете, в потустороннем мире, что там происходит []. Последняя роль, с которой актёр появился на «таганской» сцене, была посмертной — речь идёт о постановке «Владимир Высоцкий» [комм.
Через несколько дней после похорон Владимира Семёновича, 1 августа года, был собран худсовет театра, чтобы обсудить содержание посвящённого ему спектакля-воспоминания. На этом заседании рассматривались разные варианты сценария и названия композиции. Участники предлагали назвать спектакль «Москва прощается с Высоцким», выдвигали идеи, касающиеся инсценировки песен Высоцкого и использования записей его театральных монологов.
Постановка, по словам Юрия Любимова, должна была «утвердить Высоцкого как поэта» []. Непосредственная работа над спектаклем началась в октябре года [].
В апреле года Юрий Любимов и директор «Таганки» Николай Дупак обратились в Главное управление культуры исполкома Моссовета с просьбой закрепить в репертуарном плане театра спектакль «Владимир Высоцкий».
К заявлению прилагались сценарий и тексты песен Высоцкого []. За несколько дней до первой годовщины со дня смерти актёра Главное управление культуры разрешило театру сыграть один спектакль — при условии, что авторы сценария учтут многочисленные замечания, связанные в основном с песенными текстами Высоцкого.
Так, чиновники предложили Любимову изъять из постановки строки «Хоть душа пропита…», убрать четверостишие «У меня гитара есть…», вместо песни «Бал-маскарад» включить «Песенку ни про что, или Что случилось в Африке», в строчке «Чемодан мой от водки ломится» произвести замену слов, чтобы в итоговом варианте звучало «Чемодан от боржоми ломится», сократить «Инструкцию перед поездкой за рубеж, или Полчаса в месткоме» и так далее []. Спектакль «Владимир Высоцкий» в версии Юрия Любимова был официально показан зрителям всего один раз — 25 июля года.
Для включения его в репертуар театра требовались дополнительные согласования, в том числе через Министерство культуры СССР. Не имея официального разрешения на показ, режиссёр начал устраивать закрытые прогоны, приглашая на них представителей творческой интеллигенции [].
Официальное разрешение на выпуск постановки «Владимир Высоцкий» было дано уже во время перестройки — в году []. Спектакль «Владимир Высоцкий» был создан на основе песен поэта. Авторы сценария решили обойтись без фрагментов из его спектаклей и фильмов, не стали включать в постановку ни фотоколлажи, ни документальную хронику. Идея композиции заключалась в том, что её главным героем должен быть голос Высоцкого — благодаря магнитофонным записям возникало ощущение «живого присутствия» артиста на сцене [].
В то же время благодаря лирической интонации обнаруживалось, что «Высоцкий уличный, брутальный таил в себе Высоцкого — принца поэтов» []. В финале спектакля звучали « Кони привередливые » []. Давид Боровский, как всегда, был на высоте, он придумал подвижную декоративную установку из стульев партера, которую можно было поднимать и опускать, вертеть вдоль и поперёк, устанавливать по горизонтали, вертикали и диагонали.
Опустевшие стулья точно сами пришли в движение, точно искали Высоцкого и повсюду наталкивались на пустоту []. Участие в фильме «Вертикаль» привело к тому, что песни Высоцкого зазвучали на радио. На IV съезде Союза композиторов СССР Дмитрий Кабалевский обвинил работников радио в том, что они выпускают в эфир «низкопробную продукцию» — именно так он охарактеризовал «Песню о друге».
Тем не менее голос Высоцкого постоянно звучал на радио, но уже в другой ипостаси — в радиоспектаклях. Первой подобной работой с его участием стал в году спектакль из репертуара Таганки — «Добрый человек из Сезуана», в постановке на радио Якова Ромбро. Следующей радиопостановкой, в которую пригласили Владимира Семёновича, стала «Моя знакомая» по пьесе Иоахима Навотного режиссёр Вольфганг Шонендорф. Роль была главная, Высоцкому предстояло озвучивать Шольта, но пьеса оказалась незамысловатой, с простым сюжетом и без интересного материала для актёрской игры.
Несмотря на то, что в постановке принимали участие известные актёры — Вячеслав Невинный , Татьяна Пельтцер , спектакль не удался [] [].
Всего в творческой биографии Владимира Высоцкого было девять радиоспектаклей. В большинстве он играл главные роли, относясь к этому виду творчества очень ответственно. Радиоспектакли требуют от актёра специфичной игры и особого мастерства — игры голосом. Голос Высоцкого, окраска, интонации, паузы объединялись в хорошо узнаваемое слушателями «звуковое лицо» [].
В году он сыграл сразу в двух спектаклях — исполнил роль Сухэ-Батора в «Богатырь монгольских степей» режиссёр Ф. Берман, пьеса К. Тарасенко и П. Демкина и Т. По мнению Виктора Бакина, роль Сухэ-Батора была «несомненной творческой удачей» Высоцкого [] [] []. Во второй половине года были записаны два радиоспектакля — «Зелёный фургон» по повести Александра Козачинского и «За Быстрянским лесом» по роману Василия Шукшина «Любавины».
Высоцкий сыграл роль Красавчика и спел две песни — «Такова уж воровская доля» и собственную — «Нет друга, но смогу ли…». В году вышла пластинка «Зеленый фургон» с записью спектакля «Мелодия» М50 Образ Кондрата Любавина в постановке по Шукшину, созданный Высоцким, критики признали неудачным [] [].
Знакомство Анатолия Эфроса и Высоцкого в году, во время постановки в Театре на Таганке « Вишнёвого сада », привело к тому, что режиссёр пригласил актёра участвовать в трёх своих радиоспектаклях. Первым стал «Мартин Иден» по одноимённому произведению Джека Лондона в году, затем в конце года — «Незнакомка» по Блоку. Роль Мартина Идена, по мнению Марка Цыбульского, оказалась «наиболее близка самому Высоцкому» и может считаться лучшей его работой на радио. Все три спектакля Эфроса были выпущены на пластинках, «Маленькие трагедии» вышли уже после смерти Высоцкого [].
