Театр петруцелли предстоящие мероприятия, Weiterleitungshinweis
Тем не менее для корреспондента ТАСС мэтр сделал исключение. Бари в октябре оставляет очень приятное впечатление, но на осмотр города достаточно одного-двух дней. В каждом конкретном случае имеет смысл ориентироваться на концертное пространство и специфику его акустики. Все эти причины спровоцировали рост стоимости билетов , что в свою очередь привело к недовольству граждан. Когда-то мы гордились тем, что у нас есть такое понятие, как музыка для детей, есть детские театры, ставятся детские спектакли.
Он обладает изысканным вкусом аранжировщика и импровизатора. Есть основания полагать…. Сегодня в болгарском городе Варна открыли первый в стране памятник Шарлю Азнавуру. Об этом сообщает портал Bourgas. Автор — скульптор Красимир Ангелов. Перед открытием памятника прозвучали гимны Болгарии, Армении и Франции. На церемонии мэр города Иван Портных заявил, что «космополитичная и богемная Варна хочет иметь памятник великому….
В ближайшую субботу в Доме-музее им. Спендиаряна армянской столицы начнет работу летняя школа. Как пишет «Голос Армении», до окончания августа учащиеся различных учебных заведений смогут ознакомиться с жизнью и творчеством великого композитора.
Дом-музей уже давно стал излюбленным местом посещения не только для взрослых, но и школьников и даже детей дошкольного возраста. Для последних созданы все…. На перекрестке слова и мелодии». На концерте прозвучат произведения Мансуряна: армянские и мировые премьеры. Произведение «8 айренов монострофическая твердая форма армянской средневековой поэзии. При содействии Министерства образования, науки, культуры и спорта в Армении проходит й юбилейный Международный театральный фестиваль «Арммоно».
В Аргентине и Уругвае проводятся концерты в рамках юбилейных мероприятий, приуроченных к празднованию в этом году летия прославленного композитора Арама Хачатуряна. Как вы относитесь к этим набирающим оборот на Западе ситуациям, к движению MeToo? Почему это коснулось такого чистого искусства, как музыка? Это коснулось многих областей жизни — не только искусства, но и образования, медицины, политики, даже религии. Конечно, то, что происходило — ужасно. Мир обязан строиться на равноправии и справедливости, но все это не должно превращаться в «охоту на ведьм».
Жаль, что современное общество верит в голословные обвинения и часто линчует, не дожидаясь хоть сколько-нибудь внятных доказательств реальной вины. Кроме того, странно судить людей по моральным и этическим принципам и законам современности за деяния многолетней давности.
В этом случае подавляющее большинство исторических личностей прошлого становятся жуткими злодеями. В этом году Филармонический оркестр Осло, худруком которого вы все еще являетесь, отмечает лет со дня основания.
Чем праздничная программа сезона будет отличаться от стандартной? Празднование юбилея начнется уже в середине августа — на площади перед Королевским Дворцом в Осло мы сыграем концерт для тысячной публики. Ожидается, что большинство населения Норвегии сможет посмотреть прямую трансляцию. В рамках сезона запланированы также туры по ведущим культурным столицам Европы, совместные проекты со многими известными людьми Норвегии, а концерт в день столетия будет состоять из пьес, написанных в и годах.
Взяв шефство над Филармоническим оркестром Осло, вы намеревались сделать его лучшим оркестром в мире. Что реально из задуманного удалось реализовать за эти годы? Рейтинг оркестров — сложная вещь, очень субъективная. Многое из задуманного воплощено в жизнь: мы регулярно выступаем в лучших залах мира, наши записи собрали внушительную коллекцию наград, концерты привлекают еще больше публики, чем раньше, нам удалось расширить совместную программу с молодежными оркестрами.
Стало больше камерных концертов под эгидой Филармонии, сотрудничества с музеем Мунка, коммуной Осло, школами и районами проживания норвежских мусульман.
Надеюсь, что не за горами тот день, когда, наконец, будет принято решение о строительстве нового концертного зала. В году на пост худрука в этот оркестр придет Клаус Мякеля — дирижер и виолончелист, которому сейчас только исполнилось 22 года.
Знакомы ли вы с ним? Нет, пока не довелось, но обязательно познакомлюсь! Проработав с оркестром много лет, разумеется, волнуешься о том, чтобы у него все складывалось благополучно и после твоего ухода.
Так что готов оказать Клаусу любую поддержку и помощь. У вас чрезвычайно насыщенный концертный график и гастрольная деятельность. Успеваете ли следить за работой коллег, посещать оперу, ходить в театр или на выставки? Не так часто, как хотелось бы. Надеюсь наверстать недостаток культурного отдыха этой осенью в Нью-Йорке — городе с чрезвычайно плотной событийностью.
Наше интернет-издание называется «Ваш Досуг». А каков он — досуг Василия Петренко? Люблю проводить свободное время на природе: естественные звуки и тишина помогают лучше расслышать музыку внутри себя.
Продолжаю иногда играть в футбол с оркестрантами и посещать соревнования на стадионах — в Ливерпуле это что-то совершенно невероятное! Добавлено: Пт Июл 19, am Заголовок сообщения:. Так это и делается: завершается один концерт, завсегдатаи резко поднимаются с мест и мчатся на следующий. В афише фестиваля — концертов за три дня, в которых занято около исполнителей из разных стран, и настоящие меломаны стараются посетить их как можно больше.
Так работает блестящая, пожалуй, даже гениальная идея французского импресарио Рене Мартена, автора формата «Безумных дней»: он даёт возможность людям всех социальных слоёв послушать много прекрасной музыки в исключительном исполнении, причём за символические деньги.
Такое в России возможно только в Свердловской филармонии и только один раз в году: на «Безумных днях» средняя цена билета — руб. Концерты короткие — 40—60 минут — и проходят на девяти площадках, расположенных близко друг к другу. Близость фестивальных залов стала настоящим спасением для тех, кто предпочёл в уик-энд 12—14 июля фестивальную беготню поездкам на природу. В Екатеринбурге стояла немилосердная жара — до 36 градусов; дни выдались знойные во всех смыслах, и лишь кондиционеры в театрах и филармонии помогли выдержать этот марафон.
В чём секрет успеха «Безумных дней»? Заместитель директора Свердловской филармонии, бывший пермяк Рустем Хасанов любит повторять: «У нас фестиваль без звёзд». Тут не те гонорары. Однако Рене Мартен — профессионал, который знает буквально всех исполнителей классической музыки из Европы и Азии и умеет выбрать тех, кто умещается в диапазон оценок от «отлично» до «потрясающе» и при этом стоит недорого.
Делая ставку на молодых музыкантов, Мартен совершает открытия, поражающие прозорливостью. Афиша фестиваля была свёрстана семь месяцев назад. Это надежда Франции на победу в конкурсе Чайковского». Семь месяцев назад! Вот как получилось, что после феноменальной победы, мгновенно сделавшей его горячей сенсацией музыкальной Европы, свой первый концерт в России Канторов дал в Екатеринбурге, на «Безумных днях», и свердловские меломаны смогли за символические рублей послушать музыку русских композиторов в исполнении самого востребованного пианиста сезона, получающего по предложений о выступлениях в день.
Канторов с его выдающейся музыкальностью — совершенно особое впечатление, очень вдохновляющее. За роялем он кажется гораздо старше своих 22 лет, но стоит ему начать говорить, как тут же «включается» мальчишка, всё ещё немного не верящий в свой новый звёздный статус. Ещё один лауреат недавно завершившегося конкурса Чайковского виолончелистка Анастасия Кобекина — в Екатеринбурге народная героиня.
Она местная уроженка, дочь композитора Владимира Кобекина, красавица, умница, огонь и европейская звезда. На Настины концерты старинные знакомые и поклонники приносили цветы охапками. Каждый год «Безумные дни» предлагают общую тему для концертных программ, и тема нынешнего года — «Музыка странствий» — позволила вдоволь послушать португальское фаду и корсиканское многоголосое пение, ориентальные мелодии Великого шёлкового пути и в особенном изобилии — музыку европейских классиков, написанную с «географическими» отсылками: «Рейнские песни» Жоржа Бизе, «Пять греческих песен» Мориса Равеля, «Итальянское каприччио» Чайковского и т.
Один из принципов фестиваля — понятная, комфортная музыка; бескомпромиссный авангард здесь не в формате, опора делается на классику. Это вовсе не значит, что звучат исключительно популярные до заезженности мелодии, напротив, многие опусы известны лишь музыковедам. Дозы популярной и редкой музыки здесь тщательно выверены: вот, к примеру, концерт из произведений Равеля — сначала звучит музыка, которая исполняется нечасто, а в финале — «Болеро», которое заставляет зал взвыть.
Именно этот коллектив, который «тянет» на себе изрядную долю фестивальной нагрузки, исполняя по три концерта в день, стал причиной того, что Рене Мартен выбрал Екатеринбург из всех российских городов для реализации своего сетевого международного проекта. Сам Мартен непременно присутствует на фестивале, посещая по семь, а то и восемь концертов в день: отсматривает ту часть программы, которую предложила Свердловская филармония. Французский продюсер всегда готов знакомиться с новыми для него исполнителями и коллективами: а вдруг найдётся что-то достойное для поездки в Нант, где в конце января — начале февраля каждого года проходят первые и главные «Безумные дни»?
В этом году продюсер «взял на карандаш» коллектив «Мандолины Екатеринбурга» с сочинениями местного композитора Валентина Барыкина. Наверняка и пермский хор «Млада» Рене Мартен запомнил, ведь коллектив выступил с программой a cappella «Счастье не за горами» исключительно удачно. Зал Екатеринбургского ТЮЗа, правда, был далеко не полон в Перми бы на этот концерт билеты смели в момент , но зато аплодисменты были шквальные! Совершенно незнакомый коллектив мгновенно стал популярным.
Через год «Безумные дни» будут посвящены летию со дня рождения Бетховена, и Рене Мартен обещает екатеринбуржцам уже не , а концертов, среди которых будет много сюрпризов.
Закрытие праздника по традиции прошло 14 июля, в День взятия Бастилии. Ежегодно в первой половине июля тысячи любителей классики со всей Европы специально приезжают в маленький эльзасский городок, "архитектурный музей" под открытым небом. Старинные улочки и мостовые, фахверковые домики, каменные шедевры поздней готики, Возрождения, барокко и классицизма.
Здесь есть даже своя "маленькая Венеция" со скользящими по небольшим каналам лодками, а также гордость кольмарцев - уникальная коллекция средневековой живописи в галерее "Унтерлинден" и музей Огюста Бартольди, создателя Статуи Свободы в Нью-Йорке. Сегодня одной из главных достопримечательностей Кольмара является Международный музыкальный фестиваль.
Три концерта в день - и всегда переполненные залы в средневековой церкви Святого Матье и в часовне Святого Петра. Всюду улыбающиеся лица, приподнятое настроение, обилие афиш, программок и буклетов перед началом концертов. Звук Страдивари Владимира Спивакова - серебристый и чистый, таинственный, страдающий, откровенный - наполнял пространство часовни Святого Петра в концерте под названием "Час Баха", а маэстро буквально лепил из музыки Баха музыкальные барельефы, словно дополняя мелодическими орнаментами убранство храма.
Как сказал после концерта один из участников фестиваля Кристиано Гуалько, первая скрипка в Кремонском квартете: - Спиваков - один из лучших скрипачей нашего времени, я - тоже скрипач, и считаю за большую честь быть приглашенным таким музыкантом сюда.
Здесь много больших, настоящих исполнителей, а еще приятно, что в этом году фестиваль посвящен великому музыканту, нашему соотечественнику: мы играем в честь Клаудио Аббадо!
У фестиваля Спивакова давно сформулирована идея: здесь выступают исполнители со всего мира, а каждый форум посвящается одному из легендарных музыкантов ХХ века, близкого по духу Спивакову. Эта концепция объединяет профессионалов, позволяет создавать уникальные программы каждого фестиваля, дает новый поворот его событиям и неизменно радует верных поклонников. Изысканные французы даже сравнивают маэстро с великим шеф-поваром, который каждый год готовит для фестиваля несколько новых блюд, "столь же необычных, сколь и восхитительных".
В программе фестиваля этого года - музыка, которую любил Клаудио Аббадо, и выступления артистов, тесно связанных с ним: Рено Капюсон - первая скрипка в Молодежном оркестре имени Густава Малера, основанном Аббадо; флейтист Эмманюэль Паю - солист Берлинского филармонического оркестра, которым дирижировал Аббадо.
Впервые на фестивале в Кольмаре выступила скрипачка Виктория Муллова - бывшая супруга дирижера. Она исполнила Первый скрипичный концерт Шостаковича с Национальным филармоническим оркестром России под руководством Андрея Борейко, а также сыграла в необычном дуэте скрипка и контрабас с сыном - Мишей Мулловым-Аббадо. Невероятно похожий на отца, он унаследовал от родителей прекрасные музыкальные способности: владеет сразу несколькими музыкальными инструментами и, кроме того, талантливый композитор.
В концерте прозвучали его собственные джазовые сочинения, а также Шуман и Бах. Виктория Муллова на вопрос о личности знаменитого дирижера ответила: - Аббадо так много оставил музыкальному миру, подарил столько музыки!
Одной из его главных заслуг считаю работу с талантливой молодежью: он стал создателем нескольких молодежных симфонических и камерных оркестров…. На фестивале Спивакова широко представлено поколение молодых, в том числе, юные дарования, стипендиаты фонда Спивакова: лауреат фортепианных конкурсов Саша Довгань исполнила под руководством маэстро Концерт Моцарта.
Вместе с солистами на фестивале выступал Национальный филармонический оркестр России, и каждый выход музыкантов на сцену открывал новые грани этого коллектива, будь то вечер Моцарта, Бетховена, Чайковского или Малера.
В одном из концертов прозвучало редко исполняемое сочинение Берлиоза - симфония для оркестра "Гарольд в Италии" с солирующим альтом, партию которого исполнила концертмейстер группы альтов оркестра Светлана Степченко. Драматическую роль читала дочь Владимира Теодоровича - Татьяна, выполнившая адаптацию мемуаров композитора и текстов лорда Байрона для повествовательной части произведения. Исполнение Реквиема Моцарта на фестивале также было воспринято по-особенному: "Великолепная музыка прозвучала в столь же прекрасном антураже - церкви Святого Матье", - сказал после концерта Лев Конторович, художественный руководитель Академического Большого хора "Мастера хорового пения".
Сегодня Владимир Теодорович создал шедевр! Вершиной фестиваля стал заключительный концерт, на котором прозвучали Кантата Танеева "Иоанн Дамаскин" и "Колокола" Рахманинова. Весь этот вечер, 14 июля, небо над Кольмаром озарялось праздничными фейерверками, не смолкали залпы салютов. Когда фестиваль непосредственно связан с именем выдающегося музыканта, в этом всегда есть что-то оригинальное, в данном случае маэстро выполняет здесь сразу несколько ролей: он - солист, дирижер, художественный руководитель, а главное, - радушный хозяин, принимающий своих гостей.
Руководя фестивалем с года, Спиваков сумел создать музыкальное событие, примечательное для всей Европы: здесь сошлись воедино нетронутая временем история, шедевры искусства, и, конечно же, музыка - средоточие духовных сил самых лучших российских и зарубежных музыкантов… Но, сюда приходят не за именами, здесь просто ценят и любят искусство.
Справка Международный музыкальный фестиваль в Кольмаре проводится с года. Первый художественный руководитель - немецкий дирижер Карл Мюнхингер, основатель и руководитель Штутгартского камерного оркестра. В течение девяти лет это был фестиваль камерной музыки. В году его возглавил Владимир Спиваков. Под руководством маэстро, при поддержке мэра и Департамента по туризму Кольмара фестиваль стал готовить программы классической музыки всех жанров.
Рассказывает Антон Флеров. Именно совместной с Варликовским постановкой Штрауса тогда — «Женщина без тени» началась в году деятельность Петренко в качестве музыкального руководителя Баварской оперы; нынешняя премьера закольцовывает этот сюжет. Однако в ней важно обозначить и другое обстоятельство: это сотрудничество Петренко с сопрано Марлис Петерсен, которое представляется стратегическим и которое, кажется, еще далеко от завершения.
Их знакомство произошло на постановке «Лулу» Дмитрия Чернякова в году. Именно о Петерсен дирижер обширно рассказывал на своей инаугурационной пресс-конференции в качестве главного дирижера Берлинского филармонического оркестра со следующего сезона.
И именно она станет солисткой на его первом концерте в этой должности. Мюнхенская «Саломея» позволила в полной мере оценить продуктивность этого союза. Не слишком объемный голос Петерсен дебют в партии Саломеи был аккуратно и точно поддержан оркестром, а ее исполнение — и невозможно отделить вокальное от актерского,— балансирующее между хрупкостью и авторитаризмом, избавило спектакль от плакатности, которым обычно страдают постановки этой партитуры.
В свою очередь, пластическая оснащенность солистки резонировала с взрывными точками партитуры, когда у Штрауса смещаются и рушатся миры,— в «танце ли семи покрывал» который стал танцем смерти с вполне состоятельной хореографией и нестыдной пластикой или в финальном монологе с головой. Ее Саломея обаятельна и почти наивна в своем стремлении получить любовь Иоканаана. И сочетание харизмы и какой-то необязательности этой харизмы у Петерсен удивительным образом рифмовалось с буквальным, без излишней драматизации, и изысканным звучанием оркестра Петренко.
Вообще, работа дирижера с солистами в этом спектакле заставляет сожалеть о том, что времени на оперные проекты у Петренко теперь будет меньше. И настолько мощным стало исполнение Рейчел Уилсон второстепенной партии пажа: в этом спектакле влюбленная в Нарработа и спасающая его от извращенной страсти к Саломее, она непрерывно находится на сцене как своего рода контрапункт образу иудейской принцессы. Сюжет постановки при всей визуальной изощренности остается непрозрачным.
Варликовский поставил спектакль про олигархическую еврейскую семью приблизительно межвоенных времен, которая скрывается от внешних катаклизмов в каком-то бассейне, перестроенном под салон-библиотеку: на завалившихся полках посреди книг зарыты богатства — и яд на случай погрома сценография и костюмы Малгожаты Щесняк. В ключевые моменты партитуры коробка салона эффектно разъезжается, чтобы оставить персонажей страдать и умирать на белом кафеле. Постановка Варликовского балансирует между ожиданием реальной трагедии извне прибывающие беженцы, постоянное настороженное внимание к чему-то, что происходит за дверью и разыгранным действием, мнимые трагедии которого смерть Нарработа, голова Иоканаана или поцелуй Саломеи раз за разом заканчиваются под лучами кинематографических прожекторов оживлением «трупов».
Варликовский смещает фокус внимания в «Саломее» с личных трагедий на еврейский народ, который ненавидит и боится всего, что его связывает с христианским пророком, и одновременно стремится соединиться с ним. Эту постановку как и байрейтских «Мейстерзингеров» в постановке Барри Коски года , вероятно, можно связать с опасениями насчет подъема антисемитизма, а может быть, даже счесть попыткой изгнать зло средствами театра.
Варликовский дает угадать свою мессианскую цель, включив в спектакль видеопроекцию изображения льва, целующего рог единорога — символов примирения Иудейского и Израильского царств,— с потолка синагоги XVI века в польском Ходорове сейчас оно находится в тель-авивском Музее диаспоры. Постановщик медленно разворачивает эту обставленную орнаментом живопись во время «танца семи покрывал».
И рифмует аллегорический поцелуй из видеопроекции с поцелуем, о котором назойливо молит Саломея пророка Иконаана. При этом сексуальность, которой бескомпромиссно пронизана партия Саломеи, придает религиозно-политической поэме, которой становится спектакль, простоватые и обаятельные шестидесятнические обертоны. Публицистичное послание Варликовского сколь благородно, столь же и запутанно. По крайней мере, рискует остаться таким без случайного визита в не самый популярный музей, где хранится ключ к его концептуальному ряду.
Но именно в этом музее можно найти рядом с росписью из синагоги и Чарли Чаплина в маске которого Ирод в прологе спектакля срывает крест с шеи условного сирийца, а в сцене еврейских советников изображает Иуду на разыгранной обитателями этого салона тайной вечере , и кино, которое постоянно вторгается в действие, и Малера, запись которого звучит в прологе. Только этот музейный комментарий и помогает немного сориентироваться в сознании режиссера, обеспокоенность и эстетическая изощренность которого лишь отчасти спасает от растерянности перед запутанными переходами и неочевидными аллюзиями.
Добавлено: Сб Июл 20, pm Заголовок сообщения:. Таким получился спектакль Кшиштофа Варликовского по опере Рихарда Штрауса: резкий, раздражающий, иронично остраняющий библейскую историю, а то и вовсе выворачивающий смыслы наизнанку. Варликовский меняет привычные оценки персонажей «Саломеи» с плюса на минус. Вместо изощренной порочности двора Ирода и непоколебимой праведности пророка Иоканаана — противостояние двух идеологий: иудаизма и христианства.
И режиссер явно признает превосходство первого над вторым, что в культурно-историческом контексте Мюнхена и Баварии выглядит особенно провокативно. Зато выстроил собственную систему координат. И, разумеется, спектакль вызвал ажиотажный спрос. Впрочем, на любое событие фестиваля достать билеты не так-то просто, но тут случай вовсе особенный.
Музыкальный руководитель постановки — Кирилл Петренко. Он провел спектакль сдержанно, точно, не позволяя роскоши штраусовского оркестра хоть на миг затмить голоса певцов.
В этой изысканной сдержанности, прозрачности и прослушанности фактуры не было ни грана декадентского сладкого яда — но и аскетичной его трактовку не назвать. Петренко восхитил тонкостью нюансировок, изумительно градуированной динамической шкалой. В последние год-два каждое появление Петренко за пультом оркестра Баварской оперы воспринимается как прощальное.
Приближается день, когда дирижер окончательно покинет Мюнхен и переместится в Берлин, дабы возглавить Берлинский филармонический оркестр. Ему на смену придет Владимир Юровский. Это случится в году; тем не менее уже этим летом, 23 августа, Петренко дает «инаугурационный» концерт в Берлине.
В программе — Девятая симфония Бетховена и фрагменты из «Лулу» Берга, которые споет его любимая певица Марлис Петерсен. Варликовский, уже поставивший в Мюнхене скандального «Евгения Онегина», где главный герой в сцене дуэли грустно вальсировал с трупом Ленского, «Женщину без тени» Рихарда Штрауса и «Отмеченных» Франца Шрекера, тоже вызывает повышенный интерес.
Он не просто опрокидывает ожидания и сотрясает основы, но умеет свежим взглядом окинуть признанный шедевр и найти в нем некую загадку, которую необходимо разгадать. Кроме того, Варликовский и сам мастер загадывать загадки. Или, точнее, сочинять кроссворды. В каком-то смысле его «Саломея» — это приглашение к высокоинтеллектуальной игре, к поиску нужных слов, образов и понятий, расставленных в неожиданной конфигурации. В спектакле собраны разнообразные смысловые рифмы, аллюзии и прямые визуальные цитаты из старых фильмов — вроде «Месье Кляйна» Джозефа Лоузи, « дней Содома» Пьера Паоло Пазолини или «Ночного портье» Лилианы Кавани.
И не случайно действие разворачивается в библиотеке. В спектакле оживают герои книг и даже старинные орнаменты. Фильмы и литературные тексты, на которые он опирался, Варликовский перечислил сам: «Чистые» Сары Кейн, «Почта» Рабиндраната Тагора которую ставил Януш Корчак с детьми в Варшавском гетто , «Мастер и Маргарита» Булгакова и фундаментальный труд Отто Вейнингера «Пол и характер» — довольно взрывоопасная смесь взаимоисключающих идей и картин мира.
Два важнейших эпизода оперы — Танец семи покрывал и финальный монолог Саломеи, обращенный к голове Иоканаана. Но, конечно, ни отрезанной головы, ни тем более серебряного блюда под ней в спектакле Варликовского нет. Вместо этого — цинковая коробка с номером, в которой лежат окровавленные тряпки. Танец семи покрывал решен в духе средневекового dansemacabre. Саломея танцует с пожилым партнером, лицо которого покрыто густым слоем белил: это маска смерти.
На гладком танцполе, открывшемся посреди библиотеки, Смерть кружит вокруг Саломеи, как страстный любовник, как жених вокруг невесты: наряжает ее в белое подвенечное платье с фатой, словно в саван, и торжественно проводит перед строем почтенных раввинов. Инфернальный танец резко контрастирует с веселой и яркой анимацией задника: брызжущие чистыми красками орнаменты старой деревянной синагоги в местечке Ходоров Галиция были уничтожены в войну, но восстановлены по сохранившимся черно-белым фотографиям.
Во время зловещего дуэта Саломеи и Смерти на видеозаднике распускаются розы, растут зеленые побеги, большеглазый единорог встречается с кротким львом, скачут кролики, машет игрушечными крылышками смешной красный дракончик. Жизнь, радость и райское согласие, а рядом — тлен, смерть и небытие. Таким образом, Варликовский выбирает важные для иудейской культуры символы: старая уничтоженная синагога, подвиг Януша Корчака, не покинувшего детей и принявшего с ними смерть в газовой камере.
А с другой стороны — «Пол и характер» Вейнингера, выкреста, перешедшего из иудейской веры в протестантизм, который идеологически обосновывает в своей книге разделение «мужского» активного, созидательного, аскетичного и «женского» разрушительного, примитивного, чувственного начал. При этом носителями женского начала, с его точки зрения, являются не только женщины, но и некоторые народы — например, евреи.
По мысли Варликовского, Иоканаан Вольфганг Кох воплощает мужской идеал Вейнингера: пророк смотрит на Саломею как на существо низшей породы. Он выведен в спектакле без всякой приязни: нетерпимый, не имеющий в душе ни капли любви. Скорее уж симпатии режиссера — на стороне царя Ирода превосходный лирически окрашенный тенор Вольфганга Аблингера-Шперрхаке : он показан почтенным, соблюдающим субботу евреем, читающим Талмуд и пытающимся в меру сил урезонить бесчинства падчерицы.
Что ожидает услышать искушенный завсегдатай Баварской оперы, придя на «Саломею» Штрауса? Разумеется, «Саломею» Штрауса. Это даже не разрыв шаблона: это шок. Странности меж тем продолжаются. Горькая вдовица в широкополой шляпе и плотной вуали, заламывая руки, изображает скорбное пение.
Ей чинно внимает собравшаяся на сцене публика. Вокруг «певицы» вскоре она скинет платье, и окажется, что это мужчина суетится клоун в обличье Чарли Чаплина. Ловкость рук — и с шеи вдовы сорвана золотая цепочка с крестиком, затем исчезает и ожерелье.
Публика разражается одобрительным смехом и аплодисментами: кажется, никого не смутило издевательство над скорбящей дамой.
Внезапно раздается резкий, требовательный стук в дверь, несущий явную угрозу. Стук повторяется. Публика опрометью бросается в потайное убежище. Свет гаснет. Пролог, предваряющий основное действие, задает определенные временные, исторические и географические координаты: начало х годов прошлого века, Варшавское гетто. Эстетика — отчасти кабаретная.
А вся сцена — не что иное, как цитата из фильма «Месье Кляйн» года, в котором главную роль сыграл Ален Делон. В сущности, весь спектакль вырастает из рефлексии Варликовского — поляка и гражданина — по поводу мрачных событий на его родине, совершавшихся во время оккупации.
И, конечно, его волнует то, как религия и идеология становятся орудиями подавления, унижения и уничтожения, разделяя людей на «чистых» и «нечистых», высших и низших; впрочем, это сейчас звучит почти трюизмом. Следующий уровень рефлексии — проблема еврейства в европейской культуре, и здесь материал «Саломеи» подходит идеально.
Однако за всеми этими гуманистическими и, безусловно, заслуживающими уважениями размышлениями режиссер как-то упускает из виду главное: о чем, собственно говоря, эта опера. И тут на авансцену выдвигается исполнительница главной партии — пятидесятилетняя Марлис Петерсен, затянутая в узкое красное платье, на высоких каблуках: скользящие змеиные движения, изощренное кокетство, зашкаливающий эгоцентризм, улыбка, сквозь которую проступает оскал хищницы.
После зальцбургской «Саломеи» Кастеллуччи я предполагала, что затмить Асмик Григорян в титульной партии не сможет никто. У Петерсен это получилось.
Непостижимо, как ей удавалось выглядеть одновременно юной и зрелой, наивной и умудренной, невинной и чувственной, раскованной и царственно недоступной. Голос ее, лучезарно-светлый, звонкий, почти совсем лишенный чувственного тепла, принадлежал ее девичьей ипостаси.
Но повадка свидетельствовала о полном осознании ее героиней своей сокрушительной женской, сексуальной привлекательности. Финал спектакля столь же неожидан, как и начало.
Во-первых, никакого усекновения головы Иоканаана не случилось: пророк, целехонький, сидит подле Ирода с Иродиадой и нервно курит.
Во-вторых, безнадежно влюбленный в Саломею и покончивший с собой Нарработ, весь спектакль провалявшийся на сцене, вдруг восстает из мертвых и принимается раздавать всем присутствующим пузырьки с ядом: нацисты на подходе, убежище раскрыто, и живым в руки им сдаваться никто не хочет. В последнем объятии застывают супруги, родители и дети, тихо умирает подле цинковой коробки Саломея, Ирод засовывает дуло пистолета себе в глотку. Так закольцовываются в спектакле Пролог и финал; внезапная тьма укрывает живую картину, где Смерть одолела всех.
Штокхаузен писал «Свет» двадцать семь лет и так никогда и не услышал его целиком, а нынешняя постановка стала первым практически полным воплощением его замысла. Среднестатистическому читателю и автору Кольты это «невозможно представить и еще труднее — понять», но физику возможно поверить гармонией: для этого лишь нужно погрузиться в звуковую магму часовой гепталогии «Свет» Карлхайнца Штокхаузена — мета- и мегаоперы, состоящей из семи!
Преломляя посредством звука свет, пространство и время, Штокхаузен в своем opus magnum воплощает собственную мистическую реальность. Он целенаправленно создает «не новость, но событие» — такое, которое любой слушатель впишет не в список главных впечатлений за месяц или год, а в свою биографию. Трудно сказать, оспаривает ли Штокхаузен законы физики или демонстрирует их, но разогнаться до скорости света и исполнить «Свет», реализовав авторский замысел во всей полноте, — это задачи примерно одного порядка.
В идеальном варианте семь опер должны звучать одновременно «в семи залах на расстоянии нескольких сотен метров друг от друга, но в одном здании» — и все это семь дней подряд.
Число участников действа тоже близко к астрономическому: в одном номере на сцене может быть оркестр из 28 тромбонов, труб, валторн и эуфониумов, в другом — 7 хоров, в третьем — 4 вертолета; а главное — за 29 часов составы ни разу не повторяются.
Авторский подзаголовок цикла — «Дни недели». В сверхопере лишь три главных персонажа, а вся ее «физическая материя» — звуковая ткань — целиком проистекает из одной суперформулы так назвал ее сам Штокхаузен.
Ее образуют формулы Евы, Михаэля и Люцифера: первая представляет собой классическую додекафонную серию последовательность из 12 неповторяющихся звуков и символизирует гармонию и жизнь на Земле; две другие звучная «сверхсерия» и звучная «недосерия» связаны, соответственно, с божественным и демоническим началами. Кроме того, за каждым персонажем закреплены тембр голоса, музыкальный инструмент, интервал, цвет и геометрическая фигура.
Например, у Евы это сопрано, флейта, большая терция и зеленое сердце, а дни недели являются ее детьми, рожденными в понедельник после оплодотворения искусством. Такова «несущая конструкция» гепталогии, которая, однако, во многом остается «внутренней кухней» и не давит на слушателя своей детально проработанной стройностью. Штокхаузен берет совсем другим. Гравитация времени «Свет» — не просто очень длинная опера. Она выбивает из привычной колеи и требует полного погружения по Штокхаузену — «пребывания в музыке» , предлагая слушателю прожить эти семь дней в совершенно особом темпоритме.
Но сегодня, 40 лет спустя, когда скорости только возросли, более реалистичным и действенным в плане погружения выглядит иной график, который и избрали на Holland Festival, — три вечера продолжительностью до десяти часов. Тем более что ее можно считать почти авторизованной: музыкальный руководитель постановки — главная сподвижница и наследница композитора, флейтистка Катинка Пасвеер.
В амстердамском формате уикенд-марафона «Свет» структурирован не по дням недели, а по персонажам: первый день посвящен Михаэлю, второй — Еве и Люциферу, последний отведен туттийным сценам. Зато здесь выдержана иного рода хронология: музыка в целом звучит в порядке своего создания — начиная с конца х и до рубежа х.
В этом плане никого не смущает, что, скажем, понедельник может начинаться в субботу: в Амстердаме так оно и было. Безразмерный оперный цикл, который можно ставить частями, начинать с любого дня недели и слушать в произвольной последовательности желательно лишь не идти в обратном порядке и который, скорее всего, никогда не прозвучит целиком, как минимум по-настоящему открыл, а как максимум по-настоящему закрыл тему постмодернизма в музыке.
Эффект, производимый столь мощной энергией световой волны, равновелик «эффекту Вагнера» кстати, существует и такой естественнонаучный термин. Аналогии между «Светом» и четырехдневным вагнеровским «Кольцом» неизбежны, и дело не только в принципах оперного сериала.
И Вагнер, и Штокхаузен не ограничиваются организацией исключительно музыкального материала, но организуют еще и контекст его восприятия.
В обоих циклах между сценами или актами полагаются не стандартные минутные интервалы, а несколько полноценных пауз по часу или более. За это время можно пойти не в буфет, а в ресторан, а можно и погулять по саду, осмысливая пищу духовную.
Как известно, Вагнер, сам спроектировавший байройтский Фестшпильхаус, намеренно окружил его парком-садом. Амстердамское исполнение «Света» состоялось в круглом фабричном ангаре, а ныне огромном ночном клубе Gashouder, который также утопает в просторном парке. Вагнер предъявлял к своему залу строжайшие для XIX века акустические требования в частности, установил деревянные скамьи вместо кресел. Штокхаузен обращается к электроакустике, «сочинив» и используя сложную круговую систему колонок: каждый из трех амстердамских вечеров обрамляли 40—минутные электронные композиции — «Приветствия» и «Прощания».
Излучение пространства По сути, гепталогия — это продолжающая опыты Штокхаузена х — х годов огромная пространственная композиция, где важнейшей частью партитуры становятся резонансы и перетекания звука между разными группами музыкантов, расположенных в разных частях зала, по его периметру и иногда между рядами «Свет» включает в себя несколько процессий.
Во многом благодаря именно этому пространственному аспекту авангардно-бескомпромиссная музыка цикла по-прежнему воспринимается как безукоризненно современная. Зал Gashouder и в «сидячей» конфигурации является тысячником в формате танцпола его вместимость соответствует небольшому стадиону , а стулья в разных актах повернуты то к одной, то к другой сцене, а то и вовсе расставлены по кругу — и всякий раз их диспозиция обусловлена особым разворотом музыкального действа.
Одолев пространство, Штокхаузен посягает и на гравитацию: самым известным эпизодом «Света» является «Вертолетный квартет». Четыре исполнительницы струнный квартет выходят на сцену, и начинается ток-шоу с их участием; но через несколько минут они покидают зал и, продолжая общаться с интервьюером, на микроавтобусах едут к вертолетной площадке.
Все это снимается одной камерой и выводится на экран в режиме реального времени помните «Эраритжаритжаку» Хайнера Гёббельса? Они со своими инструментами садятся в четыре вертолета, надевают наушники для синхронизации и одновременно с запуском пропеллеров начинают играть. Четыре пропеллера — это тоже полноценные звуковые объекты; они и музыкальные инструменты выводятся в зал в разные колонки. По мере ускорения их оборотов и изменения характера звука струнные тоже уходят с «низких частот» во все более высокие регистры.
После достижения самой высокой и по музыкальному диапазону, и в метрах над землей точки действо происходит строго в зеркальном порядке и завершается возвращением квартета на сцену под овации зала. Благодаря «Вертолетному квартету» Штокхаузен стал не только классиком авангардной, электроакустической и пространственной музыки, но и автором одного из важнейших музыкальных перформансов.
Кстати, его мировая премьера в году проходила в этом же зале и тоже в рамках Holland Festival. Этот квартет, продуманный композитором от и до, только подчеркивает парадокс, присущий гепталогии в целом.
В процессе воплощения замыслов Штокхаузена на земле и в воздухе сценографу Урс Шененбаум и режиссеру Пьер Ауди, экс-худрук Holland Festival вроде бы есть где развернуться, но, с другой стороны, сам материал цикла практически не допускает возможности того, что сегодня принято называть «режиссерской трактовкой». Выход в «Свет» В каком-то смысле «Свет» — это вовсе и не опера, но успешно мимикрирующая под театр «чистая музыка» исключение составляет разве что вертолетный перформанс. Цикл служит своего рода концептуальной рамкой, позволяющей объединить «разнокалиберные» опусы всех жанров и составов, написанные мэтром «второго авангарда» за 27 лет.
Еще задолго до «Света» он хотел посредством музыки «создать пространство, в котором могли бы найти место и взаимодействовать между собой любые идеи и материалы». Масштаб замысла гепталогии в сочетании с условностью ее сюжета дает возможность «вписать» в цикл практически любой музыкальный номер: недаром многие сцены из «Света» могут исполняться и по отдельности, в филармоническом зале.
Но для Штокхаузена что минутное соло флейты, что минутный концерт для трубы с симфоническим оркестром, пусть они и проработаны до уровня элементарных частиц, — это лишь атомы в контексте всего мироздания «Света». Он вообще мыслил принципиально другими — планетарными и даже вселенскими — масштабами: «потребность быть соавтором творения была у Штокхаузена очень сильной», вспоминает Катинка Пасвеер; «я считаю, что в идеале нужно посвятить всю жизнь одному произведению», говорил сам композитор.
Впрочем, масштабность действа вовсе не является самоцелью: она не «перекрывает» музыкальное впечатление, а работает на него. Восхищая слушателя, выхватывая его из его собственного мира и вынуждая сосредоточиться на мироздании «Света», она становится одним из мощных выразительных средств в арсенале Штокхаузена-демиурга.
Трехдневная постановка «Света», которую посетило около десяти тысяч человек, стала кульминацией не только и без того богатого событиями Holland Festival, но и, пожалуй, всего фестивального сезона. Ее готовили два года; исполнительских сил одной Амстердамской оперы не хватило, и к ним присоединились студенты Гаагской консерватории которые к тому же параллельно писали работы о творчестве композитора. Доподлинно неизвестно, кому на самом деле принадлежит приписываемое то Сартру, то Че Геваре выражение, попирающее законы логики и нарушающее законы физики: «будьте реалистами — требуйте невозможного».
Однако очевидно, что Штокхаузен, задумывая гепталогию, действовал строго в соответствии с этой суперформулой. И оказался реалистом. Премьерные показы пройдут 24 и 28 октября в Концертном зале Мариинского театра под управлением Валерия Гергиева.
Режиссером, художником по костюмам, а также художником-постановщиком в соавторстве с Марселем Калмагамбетовым выступит Анна Матисон. Об этом «Театралу» сообщили в пресс-службе театра. Опера «Пеллеас и Мелизанда» — единственная завершенная опера Дебюсси из более чем десяти его оперных проектов.
Премьера состоялась в Опера-Комик в Париже в году, однако оказалась недооцененной слушателями. Лишь по прошествии времени сочинение стало предметом национальной гордости французов.
Постановка в режиссуре Анна Матисон станет вторым обращением театра к опере Дебюсси: ранее в году она выходила в постановке Даниэла Креймера. Тем не менее для корреспондента ТАСС мэтр сделал исключение. С какими чувствами подходите к этому рубежу и какие планы на новый сезон?
С другой стороны, 30 лет — это довольно нежный возраст, и до возмужания, а уж тем более до "обронзовения" нам пока еще далеко. Надеюсь, что и всегда будет далеко. Мы молодой театр и хотим оставаться такими всегда. А поскольку это так, планы на сезон у нас грандиозные: "Травиата" и "Набукко" Дж. Верди, музыкальный спектакль "Мистер Георг Отс", "Снежная королева. Глобальное потепление" А.
Покидченко, "Золушка" Л. Вайнштейна, "Туда и обратно" П. Хиндемита — это только премьеры. В ноябре нам предстоят гастроли в Италии, где в городе Бари в театре Петруцелли мы представим спектакль "Евгений Онегин", в Риге в сентябре сыграем нашу легендарную "Летучую мышь", а в октябре в рамках фестиваля "Русские сезоны" в Германии выступим с гала-концертом "С любовью из Москвы" в Дюссельдорфе и Дуйсбурге.
Я уверен, что скучно не будет на протяжении всего сезона. В этом, как мне кажется, не сомневается и наш зритель. И за это мы благодарны нашей верной публике. В минувшее воскресенье состоялся прогон спектакля. Какие задачи вы ставили, берясь за этот проект?
И все ли они решены? Это человек магического обаяния, а его роль в фильме "Мистер Икс" стала легендой, это был один из самых популярных фильмов во все времена. Приступая к работе над спектаклем, мы поставили себе сложную задачу: показать образ главного героя без исполнения его роли артистом Спектакль о вынужденном одиночестве гения — То есть на сцене Отса не будет?
В спектакле будет звучать музыка, которая его окружала, будут присутствовать герои, которые жили и творили рядом с ним. Мы хотели показать, как Георгу Отсу удалось, оставаясь чужим среди своих, стать героем эпохи и покорить сердца миллионов. Это спектакль о вынужденном одиночестве гения.
Международная команда постановщиков, в которую вошли и наши геликоновские звезды, и их эстонские коллеги, создавала этот спектакль с огромной любовью! Гастрольный график уже известен? Сааремаа в Эстонии, затем в сентябре будет его московская премьера — наша первая премьера грядущего сезона. После этого спектакль отправится в гастрольное турне по городам России, также мы планируем показать его в Финляндии. И обязательно "Георг Отс" вернется в Эстонию. Мы работаем сейчас над гастрольным графиком, предложений очень много.
Михаил Швыдкой, спецпредставитель президента РФ по международному культурному сотрудничеству, недавно провел совещание по празднованию столетия Георга Отса в России и представлению нашего спектакля в разных регионах нашей страны. Какие планы в этой связи? Геликоновцы неоднократно принимали участие в фестивале "Биргитта", а в году в рамках традиционных Дней оперы на Сааремаа с огромным успехом прошел гала-концерт, посвященный летию Эри Класа.
В разные годы я ставил много спектаклей в Эстонии, в том числе и на сцене Национальной оперы "Эстония". Эстонское правительство наградило меня государственной премией, а за постановку оперы "Валленберг" Эркки-Свен Тююра президент Эстонии вручил мне орден Креста земли Марии IV степени. Эстония для меня является страной, где много моих друзей, много музыкантов, и, кстати, в Эстонии нет ни одного оперного певца, с которым бы я не работал!
Естественно, когда я получил приглашение стать художественным руководителем музыкального фестиваля "Биргитта", сразу же согласился. Это потрясающий фестиваль, который был создан моим другом выдающимся дирижером Эри Класом! С самого начала своего существования, благодаря невероятной личности своего основателя и руководителя, фестиваль активно развивался.
Я вступаю в должность его художественного руководителя в году. Но уже сейчас мы работаем над программой — годов. Сюда приезжают любители музыки со всего мира, поэтому моя задача — привлекать на этот фестиваль лучшие коллективы, лучших исполнителей классической музыки, работающих на стыке классической музыки и других видов искусства, так, как это было у Эри Класа Эри Клас был большим другом России.
Он представлял эстонской публике самые интересные спектакли оперных и балетных театров нашей страны. Одной из своих задач я ставлю продолжение этой миссии.
Сейчас мы работаем над программой, в которой хотели бы представить Красноярский театр оперы и балета им. Дмитрия Хворостовского с двумя спектаклями в постановке моих друзей и коллег: это русская опера "Евгений Онегин" в постановке эстонского режиссера Неэме Кунингаса и "Аида" в постановке латышского маэстро Андрейса Жагарса, ушедшего от нас в этом году. Надеюсь, что при поддержке региональных властей Красноярска нам удастся это сделать.
Также в рамках фестиваля планируется показ балетного спектакля с участием знаменитого танцора Ивана Васильева и выступление уникальной итальянской балетной труппы NoGravity.
Сам же я поставлю "Сестру Анжелику" Дж. Пуччини с участием звезды мировой оперы Алексии Вулгариду, эстонских и российских оперных звезд. И, конечно, мы сделаем гала-концерт, посвященный Эри Класу. В любом оперном доме мира вы всегда найдете выходцев из России — Давайте вернемся к России.
Если расположить страны по условному оперному рейтингу, то на какое место вы бы поставили нашу страну? Тут находится мое сердце — "Геликон", и он у меня всегда впереди. Что касается других стран, практически в любой точке мира и в любом оперном доме вы всегда найдете россиян или выходцев из России, и занимать они будут ведущие места. Наши певцы триумфально поют и на самых знаменитых сценах мира, и во множестве театров рангом скромнее, я уж не говорю про оперных дирижеров.
Ну и, конечно, любому, кто следит за состоянием дел в мировой опере, очевидно, что вклад режиссеров из России в развитие оперного искусства огромен. И вообще, опера в России сейчас на взлете, на оперные спектакли у нас идет молодежь, в то время как в той же Италии, например, молодой публики в опере почти не увидишь — А как вы оцениваете положение с музыкальными театрами в российской провинции? Если на "четыре с минусом", то что следовало бы сделать для выправления дел?
Состояние дел в "российской провинции" куда лучше, чем может показаться издалека. Помимо столичных и главных театров России, таких как Большой, Мариинский, в России действует еще много музыкальных театров — в Новосибирске, Перми, Екатеринбурге, Уфе, Нижнем Новгороде… Во многих из них в регионах работают мои ученики и друзья. И я не понаслышке знаю, что опера живет и развивается практически по всей территории Российской Федерации — от Владивостока до Калининграда. Но все-таки очень важно, чтобы власти российских городов любили оперное искусство и понимали, что оно — необходимо, что это самое высокое искусство в мире, и наличие оперного театра в регионе или городе — это огромная привилегия.
А это, в свою очередь, означает, что надо опекать местный театр и стараться сделать жизнь артистов, которые там работают, лучше. Надо стремиться к тому, чтобы региональные театры были более конкурентоспособными, чтобы артисты получали достойную зарплату, чтобы власти максимально открылись театру.
Для сравнения: в "небольшой" — по сравнению, конечно, с нами — Германии 83 государственных оперных театра! Быть певцом красоты или обличать несовершенство мира? Приветствуете ли введение элементов цензуры? О какой цензуре идет речь, когда мы говорим о творчестве! Свобода творца, однако, не отменяет, по моему глубокому убеждению, его огромной социальной ответственности, особенно там, где мы непосредственно имеем дело с публикой, то есть в театре и в кино.
Но тут уже каждый выбирает сам: быть ли певцом красоты, слугой гармонии, добрым учителем или обличать несовершенство мира, зачастую превознося тем самым это несовершенство выше всего остального Что касается закона о культуре — он еще не существует в окончательном варианте, многое обсуждается.
Со своей стороны могу сказать одно: в любом законе мне хотелось бы видеть защиту для культуры, а не средство управления творческим процессом.
Там много чего есть! В операх Россини и Верди, например, можно услышать элементы рэп- и поп-музыки. А где начинается "Травиата"? В борделе! Ну а где происходит действие "Риголетто" и что там происходит? Тоже все весьма своеобразно Почти все великие творцы оперной музыки были с юмором, к тому же часто готовы были идти на риск.
Прекрасный пример — Верди. В какой-то момент он отрицает все, что создал. И создает оперу "Фальстаф", где звучат необычные восьмиголосные ансамбли и так далее, то есть производит революцию в опере, подобно тому, как революцию в театре намного позднее сделал Станиславский. Раз грядет юбилей "Геликона", расскажите, как тогда пробивали "стены".
Оказывается, в финансовом департаменте мэрии начальница последнего Анна Никитична Фетисова оказалась большой любительницей оперы. А ведь поначалу в приемную к ней не пускали. И тут я говорю, что я ее сын.
И вдруг — пустили в кабинет! Вхожу и сразу говорю, что нужно финансирование, притом уже сегодня подпись нужна. А Фетисова говорит, что ее любимая опера — "Паяцы". Мы же как раз по странному совпадению эту оперу поставили. И тут мы начали с ней петь отрывки из нее… В итоге я вышел от нее с подписями на документах, а мне потом не поверили, что такое было возможно.
Анна Никитична еще много лет приходила на наши спектакли… Позднее почти столь же чудесным образом заполучил для столичной мэрии рекомендательное письмо творческого союза. В театральном союзе отказали. И тогда я пришел в Союз композиторов к Тихону Хренникову, и тот подписал рекомендацию. Но ни разу этого не случилось. Зато я влюблял всех в "Геликон-оперу", в наших артистов, музыкантов, в наши спектакли! И тогда нам начинали помогать. Наши подношения — это наши творчество и успех. Однажды, это было в Канаде, когда умер интендант Канадской оперы Ричард Брэдшоу.
И вот тогда, когда я там ставил спектакль, Попечительский совет театра единогласно проголосовал за меня, чтобы я на его место заступил. А зарплата там была в месяц примерно такая, как за три года здесь!
Но я не остался. Потом в Королевскую оперу Стокгольма приглашали. И я опять отказался, тем более что здесь уже строился "Геликон", который теперь я считаю лучшим оперным театром мира. В своей судьбе я благодарен Сергею Семеновичу Собянину, мэру Москвы, который решил не только судьбу театра, но и мою личную судьбу. И сейчас я самый счастливый человек — я работаю в моем любимом театре, с лучшими артистами, в самом красивом здании, которое было построено московским правительством. Но я с удовольствием продолжаю ставить спектакли за рубежом.
В наступающем сезоне мои постановки можно будет увидеть на сценах Национальной оперы Токио Япония , Государственного театра Нюрнберга Германия , Национальной оперы Бордо Франция и в Эстонии на фестивале "Биргитта". Я и мои коллеги прикладываем огромные усилия для того, чтобы опера стала ближе к людям, чтобы как можно больше людей узнали и полюбили ее.
Как говорил один из моих великих учителей — Борис Александрович Покровский: "Будь я монархом или президентом, я запретил бы все, кроме оперы, на три дня. Через три дня нация проснется освеженной, умной, мудрой, богатой, сытой, веселой Я в это верю".
И я тоже в это верю.
Добавлено: Пн Июл 22, am Заголовок сообщения:. В прошлом году исторический ансамбль стал естественной декорацией для «Бориса Годунова» Мусоргского, а в этот раз столичный «Геликон» привез в Подмосковье оперу Чайковского «Мазепа», посвященную событиям времен Петра Великого.
Играть спектакль на открытом воздухе под аккомпанемент симфонического оркестра — задача не из простых. Природа в любой момент может преподнести сюрприз. Так вышло и с выступлением артистов «Геликон-оперы». Утром на репетиции все радовались солнцу, но ближе к вечеру тучи стали сгущаться. Зрители шли на Соборную площадь Коломенского Кремля, прихватив с собой зонты и дождевики. На город надвигался грозовой фронт. За четыре года фестиваля все привыкли, что представление состоится при любой погоде, и никакой дождь не смоет артистов со сцены.
Ее установили напротив Успенского собора. Как пояснил «Известиям» худрук «Геликон-оперы» Дмитрий Бертман, каждый такой спектакль уникален. При всем желании повторить его невозможно. Постоянно что-то происходит — меняется освещение, цвет неба, летают птицы, и когда эти «спецэффекты» ложатся на музыку, то результат получается особенный.
Небо на этот раз было тревожно и прекрасно, с переходами от черного к голубому, от серого к розовому. Ну чем не красочные декорации к постановке Дмитрия Бертмана? Только оркестр сыграл увертюру, как в постановку вмешалась стихия и возникли те самые «природные спецэффекты». Поднялся ветер и крупные капли застучали по инструментам оркестрантов. Представление пришлось прервать. Вот переждем и продолжим.
Сцену спешно накрыли пленкой, инструменты музыканты укутали палантинами, а зрители, раскрыв зонты, остались на своих местах. С Успенской звонницы Соборная площадь напоминала яркий, цветастый ковер. В ее основу либретто легла поэма Пушкина «Полтава». Разрушительная, гибельная страсть лишает разума героиню.
Чтобы прозвучать достойно, артистам на Соборной площади потребовались микрофоны. Вот оркестрантам сложнее. Некоторые инструменты стоят как хорошая машина, и любой температурный перепад или, не дай бог, осадки для них катастрофа.
От изменения влажности скрипки расстраиваются. Влияет влажность и на свойства дерева. Зато повезло Мазепе. У него кафтан. Но в театре под софитами мы завидуем тем, на ком одежды не так много, — подхватывает Алексей Исаев. В этот раз меньше других повезло исполнительнице главной роли, сопрано Ольге Толкмит. Зная, как холодно солистке, коллега набросил на нее свою шубу. Одежда с Мазепиного плеча спасла певицу от потери голоса.
Не боятся никаких погодных явлений и готовы играть в любую погоду только колокола. Для них у Чайковского в «Мазепе» написана партия во втором акте. Ну а коли в Коломенском Кремле есть своя звонница, сам бог велел использовать это в сцене Полтавской битвы. Их делали на колокольно-литейном заводе Финляндского в Москве. Фестиваль проводится совместно с Патриархией, и по благословению митрополита Крутицкого и Коломенского Ювеналия.
Поэтому и звоним в наши колокола. Последние аккорды оркестр сыграл уже ближе к полуночи. Сцену и зрителей подсвечивали софиты. Меломаны хоть и продрогли, но артистов отблагодарили: на смену природному громому пришел гром аплодисментов. Празднества распланированы на весь год, а одно из ближайших нестандартных выступлений КОТа — «Королевский концерт» — пройдет в течение 13 июля на разных берегах Оки, а также между ними. Как отметите? Важный момент в юбилее ансамбля старинной музыки случится 1 декабря: концерт в Рахманиновском зале консерватории вместе с нашими друзьями.
Кроме того, в жизни ансамбля выработалась программа — визитная карточка «Ренессанс-джаз», где мы играем в исторических костюмах, которые сшила моя супруга. Конечно, там больше Ренессанса, чем джаза, но иногда в наших импровизациях мы выходим, к примеру, в блюзовую стилистику, чтобы продемонстрировать людям, что дистанции от музыки, которой лет и больше, на самом деле нет.
Еще к юбилею мы выпустим диски с собранием наших лучших выступлений. А с оркестром в конце августа мы впервые поедем за границу — выступать в Финляндии и Эстонии. Я показал им сакбут, объяснив, что это тот же тромбон, только немного измененный. Они попробовали поиграть — получилось. Дальше, как правило, после одного или двух концертов большинство музыкантов понимало, что они не настолько заинтересованы в том, что не приносит особенного дохода, а еще и требует занятий на видовом инструменте.
Но где еще, кроме как у меня, в России можно было поиграть на сакбутах 10 лет назад?
